Arthur et les minimoys: interview des concepteurs

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Bonjour je vous mets le détail de l'interview qui se trouve sur le blog de maltazar666

vous trouverez le lien de son blog dans:
carnet personnel -> [Liens] Adresses des forums et des sites perso hors Arthur

Arthur et les Minimoys - Entretien avec Céline Garcia

Il y a une légende qui raconte qu'il y a bien longtemps, dans l'ombre d'un monde fantastique, une Fée donna naissance en quelques coups de baguette magique à un petit garçon nommé Arthur et à une princesse, Sélénia. Nous avons, par magie et par enchantement pu parler avec cette Fée. Elle s'appelle Céline Garcia, et nous sommes tombés sous le charme de sa candeur. Elle est co-scénariste et inspiratrice de l’histoire d’Arthur Et Les Minimoys. Plasticienne, Céline collabore depuis une vingtaine d’années avec son époux Patrice.Cet entretien fut un rare et touchant moment d'émotions, et nous souhaitons le partager avec vous...

Céline, pouvez-vous nous parler de votre parcours ?
J’ai commencé en tant que scénariste dans la BD avec Patrice. Il faut dire que nous avons presque toujours travaillé à deux. Ensuite, nous avons eu un petit garçon, Gabriel. Puis j’ai repris mes études aux Beaux-Arts et depuis je suis plasticienne. Et au gré de nos différents projets communs à Patrice et à moi, nous en sommes venus à Arthur.

Quel est votre univers ?
Mon univers, c’est plutôt le monde souterrain des lutins, des fées, des trolls. J’ai une grande admiration pour toute cette mythologie qui me parle plus que la science fiction par exemple. C’est la raison pour laquelle je ne participe pour ainsi dire pas aux projets SF de Patrice car c’est un univers que je n’arrive pas saisir. J’adore les films comme Star Wars et Alien, mais je suis totalement incapable d’écrire sur ces sujets-là car je n’ai pas cette fibre. Je suis plutôt du côté terrien, ancré, et plus dans le passé que dans le futur. Et puis, j’ai la chance d’avoir gardé un regard d’enfant, ce qui fait que j’aime raconter des histoires de nounours, de poupées, etc… Mon univers à moi, c’est donc plus l’univers de l’enfance avec tout le côté merveilleux que cela peut sous-entendre. J’ai du mal à rentrer dans des choses un peu plus sombres.

Du projet initial de lettres d’amour au film, quelle a été votre implication dans l’aventure d’Arthur ?
C’est moi qui avait écrit ces lettres que nous avons proposées. C’était une envie, au travers de l’univers créé par Patrice, avec ces petits êtres dans le jardin, de raconter de mini-histoires sous forme de lettre d’amour autour de ces petits personnages. Et lorsque nous avons proposé cela à Intervista, Pascal Parisiot, qui dirige cette maison d’édition, a montré ce livre à Luc qui a tout de suite eu un flash sur les personnages de Patrice. Il nous a demandé de venir le rencontrer et nous a dit qu’il avait envie d’en faire un film. A nous, alors, de lui raconter une histoire. On est rentré à la maison un peu secoué par la proposition car on ne s’attendait pas du tout à cela. « Qu’est-ce qui nous tombe sur la tête ? » C’était terrible sur le moment car on se demande si on est à la hauteur de cela. Et finalement on s’est dit : « qu’est-ce qu’on risque à proposer une histoire. Si elle plaît à Luc, tant mieux, sinon tant pis. » C’est donc ce que j’ai fait. J’ai repris un personnage d’une histoire que j’avais écrite et je l’ai développé autour d’Arthur. Mon travail par rapport au film a donc été d’apporter un premier jet, un premier séquencier avec Arthur, sa grand-mère, une course au trésor à travers un univers fantastique qui est celui des lutins. Il est vrai qu’à l’époque ils ne s’appelaient pas les Minimoys. C’est Luc qui les a appelés comme cela car il voulait en faire une race bien déterminée. Pour moi, au départ, ils n’avaient pas de nom. C’était simplement le monde souterrain, avec une quête plutôt souterraine elle-aussi, pour arriver jusqu’au trésor. En en discutant avec Luc, il l’a alors replacée à la surface, dans le jardin, alors que moi j’étais dessous. Luc a aussi ajouté des personnages qui lui tenaient à cœur. La rencontre des deux a donné l’histoire que vous connaissez aujourd’hui.

Chacun y a mis de sa propre vie, et de son entourage. Patrice nous a parlé de Julien par exemple.
C’est mon filleul, le fils de ma petite sœur. On s’est toujours beaucoup inspiré de notre entourage le plus proche pour nos projets. D’ailleurs, pour une des BD de Patrice, les personnages étaient nos parents et nous qu’on avait pris en photo et on s’était éclaté à mettre nos visages dans la BD ! C’est notre façon de travailler.

Est-ce que Gabriel est présent ?
Absolument, car toutes ces lettres d’amour que j’ai pu écrire au début s’adressaient à lui essentiellement. Et lorsque j’ai repris Arthur, j’ai tout simplement raconté ce que j’ai vécu au travers de mon fils. La grand-mère, c’est la mienne. Et ce petit garçon un peu introverti, un peu réveur, mais aussi un peu casse-cou, aventurier, du genre « je mets les mains dans la terre », c’est bien sûr Gabriel. Je crois cependant que ce sont des traits communs à pas mal de petits garçons qui ont la chance de pouvoir jouer dans un jardin. Ils rentrent vite crottés ! Mais Gabriel reste pour moi mon sujet de prédilection.

Dans ces conditions, est-ce que Sélénia est un personnage de votre entourage ou votre vision de la princesse de conte de fée ?
Sélénia, c’est la princesse guerrière. C’est loin d’être la princesse en robe brillante avec de jolis diadèmes. Dans notre travail à Patrice et à moi, on a toujours mis en scène des princesses plutôt guerrières. Et c’est d’autant plus vrai que Sélénia est en plus celle qui veut être plus forte que les garçons. Mais cela, c’est plus un souvenir de ce que j’ai vécu dans mon adolescence, mon côté un peu garçon manqué. De tout manière, je crois que tous les personnages que je travaille ou dont je parle sont en lien direct avec ce que j’ai vécu, avec mon entourage ou mes souvenirs. Ils viennent de ce qui m’amuse, ce qui me fait rire, des amis de mon fils, qui viennent à la maison, que je vois grandir et bouger. Tout cela vient de mon observation. Sélénia, c’est aussi un personnage que Luc a beaucoup aimé, auquel il s’est énormément attaché et à qui il a donné une part de ce qu’il connaît. Je crois savoir qu’il l’a fait ressembler à l’une de ses filles. Cette histoire a beaucoup parlé à notre côté papa-maman. Mon côté maman a beaucoup parlé, mais je crois que cela a réveillé en Luc ce côté-là, en plus de ses propres souvenirs d’enfance. C’est cela qui est génial sur ce projet !

Sélénia n’aurait-elle pas un petit côté Leeloo, du Cinquième Element ?
Là, je ne m’avancerai pas car nous n’en avons pas parlé avec Luc. C’est vrai qu’elle ressemble d’une certaine façon à Leeloo, mais je crois surtout qu’elle ressemble aux personnages féminins de Luc en général, ces femmes battantes, ces femmes d’apparence fragile, mais qui à l’intérieur sont des guerrières. C’est un trait récurrent chez ces héroïnes, féminines à l’extérieur, mais qui bouent à l’intérieur. Pour moi, il y a du Leeloo dans Sélénia, mais on peut y reconnaître du Nikita, et même une forme de Jeanne d’Arc.

Comment se passe le travail en couple ?
Avec Patrice, c’est extraordinaire. On s’apporte beaucoup. On a découvert au début de notre rencontre qu’on avait beaucoup de choses en commun, notamment au niveau de nos imaginaires, et depuis le début, on se raconte des histoires tous les deux. Des histoires de guerriers, de fées,… C’est d’ailleurs comme cela que tout a commencé. J’avais 19 ans, on est allé boire un thé près de chez nous et on a commencé à se raconter l’histoire d’un lutin qui est devenu le héro de notre première BD. C’est vrai qu’on partage beaucoup de choses. Patrice me demande souvent mon avis sur ce qu’il fait et vice versa. Lorsque j’ai envie de raconter une histoire, je la lui raconte à lui d’abord, et si elle lui plaît, si elle le touche, pour moi, c’est déjà gagné. Si je peux partager cela avec lui, c’est génial. Mais il est vrai que travailler à deux ce n’est pas toujours évident car on peut avoir l’impression que l’autre vit des choses plus fortes que vous. C’est ainsi que Patrice a été beaucoup plus présent que moi sur Arthur, ce qui fait que je l’envie un peu. Mais en même temps, il me ramenait des tas de choses et il me racontait tout, ce qui fait que je n’étais jamais bien loin.

Vous qui êtes à la fois scénariste et plasticienne, qui êtes donc passée par toutes sortes de formes d’expression, quel bilan tirez-vous de cette énorme expérience cinématographique ?
C’est une question difficile. Cela m’a très certainement ouvert de nouveaux horizons et m’a donné envie d’aller plus loin. De continuer à raconter des histoires et d’aller plus loin dans ce que j’aime raconter. Cela m’a donné confiance, aussi. Mais la chose qui m’a le plus touchée dans cette expérience, ce sont les larmes de joie de ma sœur quand nous sommes allés à l’avant-première de Toulon, le 10 décembre dernier. Il est vrai que j’ai beaucoup de chance car Luc est certainement l’un des plus grands réalisateurs qu’on ait en France, quelqu’un qui aime prendre des risques, aller au delà de ce qui lui est proposé et qu’il m’a fait confiance. J’en suis très fière et je ne le renie absolument pas. Mais au-delà de la rencontre et du partage avec Luc, ce qui m’arrache une larme et un sourire à la fois, c’est ma famille, ce qu’ils ressentent au travers de tout cela, mon papa qui me prend dans ses bras, qui ne me dit pas un mot tandis que je sais ce qu’il a dans son cœur. C’est cela qui me pousse, qui me fait vivre. C’est aussi mon fils, qui avait 9 ans quand on a démarré, qui était un petit bout de chou, et qui en a aujourd’hui 15, pour 1m 83 ! Lui qui me regarde avec son air fier et qui me fait son sourire en coin de l’air de dire : « c’est bien maman ».

Est-ce que cette expérience vous a donné envie de travailler avec d’autres réalisateurs ?
Pour moi, rien n’est acquis. Je suis encore moins sûre demain de refaire quelque chose car cette proposition tenait déjà du miracle. Continuer le rêve, ce serait continuer à raconter des histoires pour le cinéma. J’espère qu’un jour quelqu’un aura envie de faire appel à moi, mais je pense en même temps avoir les pieds sur terre, et je me dis que pour pouvoir continuer il faut se battre comme tout le monde car c’est un milieu où il y a beaucoup de gens de grand talent. Aujourd’hui, Arthur vit, Arthur existe en dehors de moi, il fait le tour du monde, il visite des pays où je n’irai jamais. Pour ma part, il faut rester humble, rester zen.

Quelles autres personnalités pourraient donner vie à votre univers ?
Je pense avant tout à Jean-Jacques Annaud. Rien que de rencontrer un tel monsieur, ce serait déjà extraordinaire ! Maintenant, seul lui pourrait me dire si mon univers pourrait se rapprocher du sien. Si je continue le rêve, après avoir travaillé avec Luc Besson, travailler avec Jean-Jacques Annaud, ce serait « voir Venise et mourir » ! Je ne sais pas si j’aurais le courage de faire ce genre de chose, mais qui ne risque rien n’a rien. On est toujours sûr du non, le oui est un cadeau, un miracle.

Quel est LE Jean-Jacques Annaud qui vous a touché ?
Le Jean-Jacques Annaud que j’aime, c’est celui qui travaille le silence. Celui qui est capable de poser sa caméra, de filmer et de nous faire rentrer dans un univers sans qu’il y ait besoin de texte, de mot. Celui qui est capable de nous prendre et de nous transporter au travers de sa caméra dans un univers unique. Prenez la Guerre du Feu : il prend le temps d’observer, de s’arrêter sur les choses. C’est fabuleux d’être capable de raconter des histoires au travers du silence. Un silence qui n’est jamais vraiment un silence, car on entend des bruits de fond, on entend la vie autour. Mais il n’a pas besoin de mots ou de grande phrase. J’admire cela. Il faut être très fort pour raconter les choses sans les dire.

Qu’aimeriez-vous lui dire si vous le rencontriez ?
Ce serait « Merci ! ». Parce que c’est ce genre de monsieur qui donne envie de raconter. Parce qu’il a un univers, une narration et une façon de raconter les choses qui sont d’une pureté et d’une clarté indiscibles. Alors, oui, merci monsieur Annaud de nous raconter sans nous dire !

Comment réagiriez vous face à lui ?
Rires. Je serais dans mes petits souliers. Si vous voulez voir quand je me transforme en petite fille, avec le rouge aux joues, les genoux qui tremblent, les yeux baissés qui regardent par terre, ou en train de chercher un endroit ou ficher le camp… Mais c’est aussi de cette manière là que j’ai rencontré Luc Besson. Avec les genoux qui tremblaient, je me demandais : « Mon Dieu qu’est ce qu’il va me dire, comment cela va se passer ? ». Alors on croise les doigts en priant très très fort d’être à la hauteur…

Comment Luc Besson a-t-il réagi devant cette émotion ?
C’est quelqu’un de génial à ce niveau-là. Il a été très touché par mon émotion et m’a souri tout de suite en me disant que tout allait bien se passer. Ce n’est pas quelqu’un qui pourrait profiter de cette situation d’intense émotion. Au contraire, il va être à l’écoute et va vous rassurer. Vous avez l’impression d’être en face d’une personne que vous n’auriez jamais imaginé rencontrer, vous ne faites que bafouiller, vous ne trouvez plus vos mots, vous avez un QI de moule, et il rattrape très vite cela presque en vous prenant la main et en vous disant que tout va bien. Alors vous respirez et c’est génial : tout se passe dans la douceur. Au-delà du projet, vous partagez aussi un moment avec une personne incroyable.

C’était à quelle occasion ?
C’était le jour où il nous avait donné rendez-vous pour parler de ce fameux livre et de ce que lui avait envie de faire exactement. On arrive là en plus avec l’appréhension de ce qu’il pourrait vous dire. Est-ce qu’il a aimé, est-ce qu’il n’a pas aimé? Et en fait, c’est quelqu’un de très gentil ! Ca a l’air idiot de dire que quelqu’un est gentil, mais pas du tout. C’est quelqu’un d’accueillant et qui vous écoute. Et même si ce que vous lui racontez ne lui plaît pas, il ne va pas vous faire peur en tapant du poing sur la table. Non, c’est quelqu’un qui ne vous surprotège pas parce que vous êtes sensé être un professionnel ou tout au moins un adulte. Mais il est très respectueux et il ne vous enfoncera jamais un couteau dans le cœur.
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Arthur et les Minimoys - Entretien avec Patrice Garcia - Part 2

C'est avec gentillesse, générosité et simplicité que Patrice GARCIA a accepté de nouveau de nous parler plus avant de son travail, sur les origines d'Arthur, mais aussi sa rencontre avec Luc Besson, son implication sur le Cinquième Element... De nouvelles aventures passionnantes vous attendent!

Pouvez-vous nous parler de votre parcours artistique ?
Patrice Garcia - Dans mon enfance, le dessin a très vite été un moyen de m’évader. Je recopiais des trucs dans les comics, je dessinais des histoires de guerrre, etc, et c’était vraiment un refuge. J’ai fait cela de 7-8 ans à aujourd’hui. Au lycée, j’ai rencontré des collègues qui tournaient un western et j’avais trouvé cela super génial. Cela m’a donné envie de tourner mon premier court-métrage en super 8 avec ces collègues. Dans ma tête, c’était comme une cocotte-minute. Puis je suis passé en 16 mm et à chaque fois, j’ai monté la barre, tout en continuant à dessiner. A un moment, il a fallu rentrer dans la vie active, ce qui n’es pas très simple quand on a des envies qui semblent irréalisables. Il faut rentrer dans un créneau « normal », qui ne correspond pas du tout à ce que vous imaginez, et c’est un peu douloureux. Un jour, je suis parti à Paris avec mon sac et j’ai fait la tournée de tous les ateliers d’effets spéciaux de Paris. Michel Soubeyran, qui avait son atelier là bas et qui faisait des bestioles en latex pour des pubs, m’a embauché pour que je dessine. Et dès que je me suis mis à dessiner, il m’a fait passer à la sculpture et du coup je me suis amusé à faire des marrionnettes et d’autres trucs comme cela. Je me suis régalé. Ensuite, j’ai continué à faire des courts-métrages, tout en faisant des petits boulots à droite à gauche. Je suis alors retourné dans le Sud, où j’ai rencontré ma femme qui m’a dit que je devrais faire de la bande-dessinée. Il faut dire qu’à l’époque où je réalisais des courts-métrage, je vivais à six dans un studio, et j’avais un copain qui faisait des BD. Quand j’ai vu cela, je me suis dit : « quelle horreur ! ». Dessiner et mettre cela dans des cases, je trouvais cela rébarbatif, fastidieux et solitaire. Mais quand Céline m’a proposé cela, je m’y suis mis. J’ai eu des propositions avec Allande et aux Fils de la Nuit. Je suis monté à Paris et on a réussi au premier rendez-vous à vendre une série, c’était Allande. A partir de là, je suis vraiment rentré dans le monde du travail par le dessin.

Comment avez-vous rencontré Luc Besson ?
C’est bien simple. A cette époque, je faisais de la BD avec Céline. Un matin, je buvais un café dans le troquet qui était en bas de chez nous et je vois dans le journal que Besson passe à Toulon pour parler d’Atlantis. Quand je vois sa bouille dans le journal, je me dis : « c’est maintenant, il faut que j’y aille, que je lui montre ce que je fais, on ne sait jamais… ». C’était complètement illusoire et totalement décalé par rapport à la réalité du métier, mais j’y suis allé. J’ai passé les vigiles pour l’atteindre et il m’a donné l’adresse des Films du Dauphin à l’époque. J’ai essayé d’insister, mais il m’a redonné la même adresse, et je ne l’ai pas notée. Par contre, j’avais noté qu’il allait au cinéma Gaumont qui se trouvait Place de la Liberté à l’époque. Je suis donc allé de la Fnac où il se trouvait au cinéma. Avec Céline, on lui avait préparé un petit dossier avec une lettre et des dessins. Je vois Eric Serra, je l’attrappe et je lui mets mon dossier entre les mains en lui disant : « aujourd’hui, j’ai fait ce que je devais faire. Au revoir. Tu fais ce que tu veux. Tu le jettes si tu veux. En tout cas, je te remercie, c’est gentil. » Un an après, à la naissance de mon fils, un coup de téléphone de Besson qui voulait nous rencontrer pour travailler sur ce qui allait devenir le Cinquième Elément.

Pourquoi Besson ?
J’avais été interpelé par le Dernier Combat, et j’étais un vrai fan du Grand Bleu. C’est un film qui m’a immédiatement touché –je suis quelqu’un qui réagit beaucoup par impulsion- et c’est aussi le premier film que je suis allé voir avec ma femme. Donc, pour moi, c’était une évidence. Le cinéma a toujours été un désir, mais voir Besson s’est imposé à moi.

Quel a été votre rôle sur le Cinquième Elément ?
Je faisais partie d’une équipe de plus de dix dessinateurs, l’équipe de graphistes, et on a développé l’univers, pendant un an sur Paris. Je dormais dans les bureaux, de très beaux bureaux d’ailleurs, qui abritent maintenant la société Xilam.

Cela fut-il difficile du point de vue familial ?
En effet, ce fut un vrai investissement. Mais je n’ai pris aucune décision tout seul dans mon coin. J’ai décidé cela avec ma femme, qui connaît ma passion. Ce fut un choix difficile, notamment parce que mon fils venait de naître. Ce fut un vrai sacrifice, d’autant plus que tout ce que j’ai pu faire dans le passé dans le cadre de mon métier, a toujours été fait en étroite relation avec ma femme. Que ce soit les pubs ou autres, tout a toujours été fait avec son regard. Vous comprenez alors que ce ne fut pas simple…

Qu’avez-vous créé de l’univers du Cinquième Elément ?
J’ai participé à tout car c’était un travail d’équipe. Le travail de l’un faisait rebondir l’autre et ainsi de suite. C’était vraiment très chouette, et les amis de cette époque sont toujours des amis. Besson avait réussi à rameuter une équipe de jeunes branleurs autour de lui qui ont mis toute leur énergie et toute leur créativité pour nourrir ce projet. Ce fut très familial et quelque chose d’assez rare à vivre.

Pouvez-vous nous parler de la conception des personnages, par exemple ?
Vous savez que les costumes ont été conçus par Jean-Paul Gautier, mais il y avait un autre designer sur le projet, Jacques Rey, qui a aussi fait de très belles choses, qui ont nourri Jean-Jacques Gautier. C’était un peu le fer de lance de l’équipe graphique que nous étions. C’est ainsi que nous avons participé à la création des costumes, de monstres, de décors, d’engins volants, de la diva… on s’est vraiment occupé de tout. Il y avait un côté étudiant déjeanté qui m’a beaucoup plus.

Vous avez également participé au jeu New York Race.
C’était dans la continuité de ce travail. J’ai fait quelques boulots entre temps, mais à un moment, Henri Magalon, le producteur du jeu, et Marc du Pontavice, qui dirige Xilam aujourd’hui, nous avaient mis dans un coin, Hélène Giraud –la fille de Moebius- et moi, pour faire les prémisses du design pour ce jeu. On s’est amusé à créer des obstacles, des choses comme cela. Beaucoup de roughs, mais cela a permis, pendant deux mois, de lancer des pistes pour les graphistes.

Quelles étaient vos sources d’inspiration à l’époque ?
J’ai toujours été fasciné par les univers de Bilal et de Moebius car ce sont de vrais univers, très cohérents graphiquement. J’ai beaucoup de respect pour cette forme d’intégrité. Mais il paraît qu’on retrouve plus l’influence de Philippe Druillet dans mon travail. Il faut dire que c’est un auteur dont je décortiquais les dessins quand j’avais 12-13 ans, et il faut croire que c’est resté… J’étais aussi un très grand fan de Christopher Foss, un ancien garagiste qui s’est mis à la peinture. Ca ne l’a pas beaucoup passionné, et il s’est plus ou moins arrêté de peindre aujourd’hui, ce qui est plutôt navrant. Il a peint des images assez extraordinaires de vaisseau spaciaux, et il a notamment travaillé sur Alien. Pour le premier Dune, qui devait être fait par Jodorovski à l’époque, Chris Foss était designer. Hans Giger a aussi beaucoup marqué mon travail, un peintre suisse allemand, qui fait des choses très torturées et qui a été le designer d’Alien, qui m’a bouleversé à sa sortie. Plus exactement, je l’ai trouvé nul en sortant du cinéma, et quand je suis rentré chez moi, je me suis dit que ce n’était pas possible et que ce film était magnique ! Depuis je l’ai revu plein de fois et je considère maintenant que c’est du pur génie.

A première vue, on est assez loin des lutins de Céline !
Ce sont bien des univers, des créations d’univers. Et que ce soit des lutins ou des extraterrestres, ce qui est intéressant, c’est de créer des univers fantasmagoriques qui soient des retranspositions de choses de notre réalité et qui vont permettre de dire des choses qui nous concernent tous. Lutins ou aliens, c’est pareil. Ce qui est intéressant, c’est d’avoir un support fantastique qui permet de toucher des histoires qui nous touchent tous, de transposer la réalité pour rêver un peu et fantasmer cette réalité, la sublimer ou utiliser le fatasme pour dire des choses finalement très terre-à-terre. Donc la rencontre n’est pas si incompatible que cela.

Et elle a justement produit une grande tendresse dans Arthur, qui parle à l’humain qui est en chacun de nous.
Vous avez raison de parler de tendresse pour Arthur. C’est ce qui intéressant dans l’imaginaire, c’est quand on arrive à toucher aussi profondément les gens. Prenez Big Fish de Tim Burton. Pour moi, c’est un film extraordinaire parce qu’il nous balade entre le fantastique et le réel. C’est du Tim Burton, pas dans le visuel, mais dans l’âme. La substance est là, elle fait toucher quelque chose de très précieux dans la relation père-enfant, et plus largement parent-enfant, et il a utilisé le fantastique pour sublimer, fantasmer ce lien et l’analyser un peu. Le fantastique est là, et il est utile pour dire ces choses. C’est la même chose dans Arthur.

A propos d’Arthur, lors de notre précédent entretien, vous nous aviez parlé de la réalisation d’un pilote, qui allait dans une direction inverse des choix finaux du film. Pouvez-vous nous en dire plus ?
Pour le pilote, l’idée était de filmer la nature, mais en maquettes parce que c’était plus gérable par rapport au système d’incrustation. On a donc construit des décors que l’on a filmés dans une belle lumière avec de la fumée et des particules en suspension sur fond bleu, avec des matte paintings pour prolonger le tout. Nous avons beaucoup travaillé sur la matière de la nature : les mousses, les cailloux, la terre… Et à l’intérieur de cela, on a incrusté un personnage en 3D traité par comme un élément comme dans les films Pixar, très propre, mais plutôt presque sale.

Un peu comme George Lucas l’a fait pour son premier Star Wars…
Tout à fait. On s’est dit que la 3D était un superbe outil, mais que, pour l’intégrer à la réalité, il fallait la salir. Et on y est allé à fond ! D’autant plus qu’on était dans un rapport de taille différent avec nos petites créatures : les textures de peau n’ont rien à voir avec celles de personnes d’1,70m. C’était cela le challenge, afin de voir si cela marchait ou pas. On a donc tourné nos maquettes et Buf Compagnie a incrusté des personnages. Luc était très content. Il a dit « Bingo, on y va ! ». A la suite de cela, les maquettes du film ont été construites, mais comme les choix de cadrage et la façon de travailler de Luc était tels qu’on pouvait se retrouver à filmer la maquette dix jours, un mois plus tard pour essayer un autre angle –ce qui est tout à fait normal au demeurant. Cela pouvait rendre les choses très compliquées car il fallait alors remettre la maquette en place et refaire venir une équipe de tournage, etc. Buf a donc opté pour l’idée sage de photographier la maquette sous tous les angles et utiliser ce qui a été photographié comme du maping pour tout reconstruire en 3D. C’est donc ce qu’ils ont fait. Par ce moyen, on pouvait conserver le même rapport à la matière, et dans la mesure où tout le décor était modéliser, de répondre aux besoins du réalisateur. On n’avait plus le grain d’un film en prises de vue réelles avec 3D rajoutée, mais avec 3D et personnages 3D.

La magie opère totalement ainsi, que ce soit dans le passage des prises de vue réelles à l’animation ou dans la représentation de la nature, et notamment de l’eau, magnifique de réalisme.
L’eau est en effet en 3D. C’est le fruit du travail de Pierre Buffin et son équipe. Ils ont essayé au départ de gérer avec des prises de vue réelles, mais l’eau s’est vite révélée incontrôlable. Emmanuel Prévost, le producteur, a même fait venir une caméra, une fois, qui pouvait filmer l’eau à je ne sais plus quelle cadence. Un truc incroyable qui coûtait une fortune. Et finalement Pierre Buffin a pris le parti de faire quelque chose de beaucoup plus simple. C’est ainsi que tous les décors ont été filmés sans eau, et que l’eau a été rajoutée après. C’est ce qu’il y avait de plus simple à faire. Des impacts aux interactions avec les objets, toute l’eau est numérique. Et c’est vraiment bluffant. Pierre Buffin aurait voulu aller encore plus loin dans ce rendu, mais le résultat actuel est déjà impressionnant.

C’est d’autant plus impressionnant que c’est un travail exclusivement français !
On avait jamais fait ce genre de cuisine en France à ce niveau. C’était d’autant plus risqué que c’était une grosse production. Après, c’était vraiment un travail acharné et un vrai regard artistique des équipes de Buf et de Pierre Buffin en particulier. Avec lui, je discutais 2-3 minutes et il savait où il fallait aller. Pas besoin de long discours. Il a l’œil, c’est tout. Ce mec est une brute totale ! Je le revendique ! Ce mec a un talent… Entre le technique et l’artistique, il a les deux, ce qui est plutôt rare.
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On parle beaucoup d’une première française pour Arthur. Mais il y eu Kaena, il y a quelques temps.
C’est vrai, mais on n’a absolument pas regardé Kaena pour faire notre animation. Je ne dénigre pas le travail des équipes de ce film, loin de là. On avait simplement un travail à faire et on n’a pas été regarder sur ce qui se faisait à côté. On avait vraiment la tronche dans le guidon et on a tout fait pour que notre travail fonctionne. On n’a pas cherché la moindre comparaison. Par rapport à l’idée de première, je dois dire que je n’ai pas cette vision. J’ai juste une vision artistique qui consiste à chercher à ce que tout ce qui est fabriqué soit regardable par tout le monde avec une qualité maximale compte tenu d’un timing et d’un budget. Je ne suis d’ailleurs pas sûr qu’on puisse parler de première. Il n’y a rien de nouveau dans le fait de filmer des maquettes et d’y injecter des personnages en 3D. Ca fonctionnait déjà très bien sur Le Seigneur des Anneaux, avec des maquettes gigantesques. A mes yeux, il n’y a rien de vraiment innovant. C’est juste le fait qu’il y a eu de vrais risques de pris afin que le final ait un niveau de qualité jamais atteint. A aucun moment on peut dire que l’incrustation se fait mal. Bien sûr, il reste des défauts comme dans tous les films, mais cela reste d’une cohérence sur la longueur du film qui reste hypra acceptable. Et s’il y a une première avec Arthur, elle est bien là, dans le fait d’aller au bout du process de fabrication et d’optimisation de la qualité en fonction des conditions de production.

Pouvez-vous nous en dire plus sur les choix artistiques par rapport à l’animation des personnages ?
Il fallait monter une équipe d’animateurs et aller très vite. Très tôt, on s’est posé la question de savoir comment tous les animateurs vont pouvoir travailler sur le même jeu de comédien. L’option a donc été de tourner avec des comédiens, ce qui allait devenir la charpente pour l’animation. Les acteurs ont donc joué chaque scène à fonc, puis chaque animateurs, quel qu’il soit, va pouvoir travailler à partir d’un même matériel dirigé par Besson. Après, chacun va y mettre sa propre patte, mais la charpente transpirera toujours jusqu’au bout. Et comme les animateurs sont venus d’un peu partout, cela permettait d’être plus efficace et plus rapide, sans trop se poser de question. De cette façon, cela nous a éviter de partir dans une organisation complexe de l’animation, avec des directeurs de l’animation et autres… Il fallait à tout prix qu’on vérouille l’animation. On laissait un peu de liberté, mais avec une certaine contrainte de jeu.

Il s’agit de jeu, mais aussi de danse…
En effet. Nous avons fait appel à de vrais danseurs, ou encore à des personnes spécialisées dans le combat à l’épée pour le combat de Sélénia. Tout a été tourné avec de vraies personnes, selon le même cadrage que dans le film final.

Quand on arrive chez les Minimoys et qu’on voit le village en plan large avec tous insectes allant dans tous les sens, on sent comme un parallèle avec le New York du Cinquième Element.
C’est plutôt l’expression du mouvement, de la vie. Il n’y a pas vraiment de parallèle délibéré.

Et au niveau de Sélénia, par rapport à Leeloo ?
Vous savez, on a proposé des Sélénia avec des cheveux mauves, verts, et plein d’autres pistes. Et finalement, elle a les cheveux rouges parce que son frère, Bétamèche, qui a été validé beaucoup plus tôt, était rouquin. Il était donc dans la logique des choses de lui donner ces cheveux rouges. En plus, lorsque j’ai rencontré pour la première fois Mila Jovovitch sur un plateau, elle avait les cheveux de toutes les couleurs ! Plus sérieusement, et au delà du conscient et de l’inconscient, je dirai qu’elle est dans la droite ligne des personnages féminins validés par Besson. En tant que designers, nous avons essayé autant que possible de s’extraire de certaines références, mais à un moment, les choses nous échappent et la logique du processus est allée dans ce sens.

Le montage, très rapide, est caractéristique du style Besson.
Oui, et parfois, je trouve même que cela va trop vite. Il y a des passages du film comme la bataille des moustiques, qui devient presque hermétique à cause de cette vitesse, mais ce n’est que mon avis. Après, il est vrai que les enfants d’aujourd’hui sont prêts à ce genre de montage cut-cut. Mais les plus petits pourront avoir du mal avec cela.

Avez-vous une émotion particulière que vous avez ressentie lors du processus de création du film, que vous voudriez partager avec nous ?
Il y a eu beaucoup. Mais je pense que lorsque les maquettistes sont arrivés pour construire l’univers des Minimoys, c’était vraiment génial car enfin, cela commençait à sortir du papier, de la 2D. C’était là et ça prenait forme, ce qui faisait de ce moment quelque chose d’émouvant.

Arthur a été abondamment couvert par les médias. Mais y a-t-il un aspect du film qui n’a pas été suffisamment évoqué à votre goût et sur lequel vous voudriez attirer notre attention ?
La poésie de ma femme. Elle écrit des choses fabuleuses qu’elle est prête à jeter, et elle me scotche. Si elle écrivait enfermée dans une pièce, je prendrais tout ce qui tomberait de sa table pour le divulguer au monde entier !

Quels sont vos projets ?
Pour l’instant, je n’ai pas été rappelé pour le prochain Arthur. Sinon, j’ai un projet de série de marrionnettes pour les enfants, et un truc sur l’environnement, sur les forêts, afin d’aider les enfants à avoir un regard sur un arbre, une fleur, des choses simples.

Etes-vous sensible à l’art de Myiazaki ?
J’adore ! J’adore sa façon de voir les enfants. C’est un maître de l’animation qui a une sensibilité extrême, et quand il montre des enfants, il a des gestes justes. Il vous emporte dans son monde, il vous emporterait n’importe où. Et il a un vrai rapport à la nature, que ce soit dans Mon Voisin Totoro ou dans le Château dans le Ciel.

Et vous aimeriez travailler dans ce sens, donc ?
Ce n’est pas que j’aimerais. Cela se fait tout seul. Je ne me pose pas la question. C’est une mouvance personnelle. Les peintures person que je fais sont très panthéistes. Je ne peux pas faire autre chose. J’ai même écrit un séquencier avec une sorte de rencontre du troisième type, mais avec rien d’extraordinaire, pas d’extraterrestre ou autre. C’est plutôt la rencontre et l’acceptation de l’autre, qu’on ne comprend pas, qui est complètement différent. Mais il se passe des choses au delà des mots qui font que l’autre est magnifique, que l’être humain est magnifique. Je suis plus dans cet optimisme suicidaire !…

Arthur et les Minimoys - Entretien avec Patrice Garcia

Sauver sa maison d’un promoteur véreux quand on n’a que 10 ans, c’est déjà pas facile. Mais sauver un monde entier de la destruction quand on ne mesure que 2 millimètres, c’est carrément « mission impossible » !
Pourtant, les spectateurs d’Arthur et les Minimoys vont pouvoir s’apercevoir que la valeur n’attend ni le nombre des années… ni la taille !
Tout comme pour la création du film. De prémisses intimes et délicats créés par Céline et Patrick Garcia, Luc Besson est parvenu a créer un véritable univers unissant la magie de l’animation aux prises de vue réelles, avec sa patte si caractéristique, nerveuse et naïve à la fois.
C’est encore sous le charme du film que Inter-activities a eu le plaisir de pouvoir en discuter avec son directeur artistique, Patrice Garcia, lors de l’avant-première toulonaise. Un petit entretien pour un grand artiste à l’origine des Minimoys…

Quelles sont les origines d’Arthur et les Minimoys ?
Patrice GARCIA) A l’origine, Arthur, c’était un recueil de lettres d’amour écrites par Céline Garcia, avec des images de petits lutins. Céline a inventé toute cette histoire à partir de souvenirs de son enfance, de parents, d’amis, de voisins. En fait, monsieur Davido, c’était un voisin qu’on avait à l’époque, et Bétamèche s’appelle en réalité Julien, un petit garçon de cinq ans aujourd’hui, etc. L’histoire existait donc avant qu’on propose ce livre de lettres d’amour. Et c’est en les lisant que Luc et la maison d’édition d’Europa, Intervista, nous ont proposé d’en faire un film. Un pilote a été alors fabriqué pour savoir si le projet était envisageable, et combien ça allait coûter. Tout est aussi parti de petites photos faites dans mon jardin avec des personnages en papier découpé posés dans l’herbe, photographiés et retravaillés avec Photoshop. Comme vous le voyez, ce grand projet est né de toutes petites choses…

Comment s’est passée la rencontre entre Luc Besson et les Minimoys ?En fait, quand Besson a vu les images, il a adoré le tout premier personnage d’Arthur. C’était pourtant une toute petite aquarelle sur papier, un peu mal foutue –et ce devait être pourtant la couverture des premiers livres. Ce petit personnage lui a plu, a évoqué chez lui quelque chose de tendre.. dans ce monde de brutes. Il a donc flashé et c’est ainsi qu’il a pris le parti de dépenser un peu d’argent pour voir si c’était faisable en film. Je pense tout simplement qu’il a été touché par cet univers, tout comme les gosses qui ont découvert les premières couvertures de livres. A partir de là, Luc a décidé, avec sa puissance de tir industrielle du cinéma, de jouer le jeu. Les choix techniques du pilote étaient complètement à l’opposé du résultat final – vous le découvrirez probablement dans les bonus du dvd-, mais cela a prouvé qu’une telle approche, hybride, était tout à fait envisageable, une 3D, certes, mais avec une patine intéressante à mon goût.

Où avez-vous puisé votre inspiration pour les personnages d’Arthur, des minimoys aux séides ?Dans les choix de départ, j’ai été très inspiré par le travail de Patrick Woodroffe, un peintre anglais, qui avait travaillé sur ce principe de petits bonhommes qu’il fabriquait et qu’il mettait en situation pour un ouvrage qui s’appelait Hallelujah Anyway et j’avais trouvé cela intéressant. Ce fut ma première source d’inspiration. Ensuite, j’ai vu des films et j’ai lu des livres sur cet univers, ce monde de féérie qui fait partie de ma culture et j’en ai fait un mix. Quand on se retrouve à travailler sur un projet comme celui-ci, on doit digérer beaucoup de choses d’Europe de l’Est, de Bilal, etc, de sorte à arriver à un univers cohérent, ayant une résonnance pour chaque spectateur

Pour le grand public, Arthur a tout d’abord été un succès d’édition.
En fait, le livre a été écrit après le scénario. Il y a d’abord eu un séquencier d’à peu près 80 pages fourni par Céline Garcia, qui a été livré après un long moment d’attente car c’était une grosse machine qui devait être lancée. Luc a récupéré ce séquencier, a écrit un scénario et suite à cela il a écrit les deux premiers tomes d’Arthur qui ont amené le film.

Quand on regarde les couvertures des livres, on s’aperçoit que le design des personnages a changé.
Ca a changé, ça a évolué. Certains personnages ont été créés très vite, tandis qu’il a fallu quatre ans pour Sélénia. Et ce n’est même pas moi qui ait trouvé sa forme définitive, mais un des membres de Buf. Cette Sélénia est vraiment une chipie !

Le casting vocal du film est très impressionnant.
C’était un véritable jouet pour Besson et je crois qu’il s’est fait plaisir en travaillant avec les artistes qui ont participé à cette croisade. Le fait de faire appel à des stars pour le doublage de dessins animés fait partie du système, et je crois qu’il est parti de là pour pouvoir travailler avec Bashung, Farmer, Lavoine… On aurait pu prendre d’autres voix, mais c’était vraiment son désir de faire ainsi.
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Admin Age : 28 Inscrit le : 21 Avr 2006 Messages : 395

L’histoire se déroule aux Etats-Unis, dans le Connecticut. Pourquoi ce choix pour un film imaginé en France ?
Je pense que c’était un choix de Luc de basculer tout cela vers les Etats Unis. On a longtemps réfléchi pour savoir si on restait en France ou pas. Mais vu qu’on travaillait sur un produit destiné au marché international, il valait mieux s’ouvrir cette porte vers l’Amérique, sachant que les Américains sont très frileux par rapport aux pays étrangers. Dans le même temps, je sais que l’Amérique des années 50 amuse beaucoup Luc Besson, et il a donc basculé du côté qui l’amusait.

Un film en 3D entièrement animé en France: une première à souligner!
Oui, et c’est à espérer que cela se reproduise. L’animation française, ce sont en général de petites et moyennes productions. Quand on en arrive à ce genre de choses, c’est du gros. On était jamais allé là dans la production française de l’animation. Besson et Europa ont mis tous leurs moyens pour mener ce projet à bien. Tout le monde était d’accord sur le fait que cela allait ouvrir des portes à ce regard particulier qu’on a sur l’animation en France. Il était très intéressant que ce travail soit, au final, très respectable pour que les gens puissent considérer l’animation française comme un cinéma à part entière. Ce qu’on a pu observer sur Kirikou ou d’autres films. Notre démarche n’avait rien de prétentieux du tout. C’était simplement se dire qu’on pouvait aller encore plus loin. Et Europa avait les capacités pour que ce produit existe. C’est un rêve que le monde de la production puisse voir l’animation sous un autre angle. L’animation japonaise ou américaine, c’est très bien, mais il y a l’Europe…Europa.

Une animation produite par la société Buf Compagnie, à qui l’on doit également l’animation de Silent Hill et The Prestige.
Buf Compagnie, c’est la société qui s’est occupée de finaliser toute la partie Minimoys, mais aussi toute la partie live du film, avec les comédiens, qui a subi un traitement numérique. C’est eux qui ont modélisé, refabriqué les décors en 3D et animé. C’était un travail énorme avec des centaines de personnes. Les gens de Buf et Compagnie ont été exemplaires et ont beaucoup donné sur cette production. Nous avons eu plus de 100 graphistes à l’ouvrage, et cela a beaucoup tourné car les gens se sont épuisés et ils ont été obligés de les changer.

Quels furent vos choix artistiques quant à la technique d’animation utilisée ?
En fait, je ne voulais pas qu’il y ait de motion capture car c’est lourd à récupérer comme information. L’idéal s’est révélé être de tourner d’abord avec des comédiens. D’entrée, c’était positionné comme cela, y compris sur le pilote. Nous voulions que des comédiens qui insufflent le jeu, les mimiques, des petites finesses afin de faciliter le travail de l’animateur qui se retrouve confronté sinon à un exercice purement technique. Il fallait donc qu’on nourrisse les animateurs. On a filmé des acteurs sur un grand plateau, cadrés comme les personnages allaient apparaître à l’écran. Et sur leurs ordinateurs, les gens qui faisaient la 3D repassaient ce film en petit sur leur écran, et à côté, ils redessinaient à leur manière les mouvements et les attitudes des comédiens.

Comme les Disney des années 50…
Exactement. Et ça nourrit l’animateur qui se passe sa scène en continu et ne fait qu’accentuer tel ou tel trait. On a aussi fait cela pour gagner du temps parce que si on laissait les animateurs dans une sorte de création dans le jeu, cela aurait été beaucoup plus long. Il a donc fallu canaliser les équipes techniques pour qu’elles soient sur la même longueur d’onde.

A quels logiciels avez vous fait appel pour l'animation 3D?
Ce ne sont que des logiciels maison qui ont été utilisés pour ce film.

Arthur, c'est une saga en quatre tomes dont deux seulement ont été portés à ce jourà l'écran. Peut-on espérer une suite?
Il y aura une suite, normalement. Besson vient de l’annoncer. Et sa fabrication est sensée commencer l’année qui vient. Deux autres films normalement.

Arthur et les Minimoys a mis cinq ans pour voir le jour. Devra-t-on attendre autant ?
Non, parce que tout ce qui a pris beaucoup de temps à être fabriqué est là dans les ordinateurs ce qui va réduire le temps de fabrication.

Merci à Roselyne, Patrice & Alain
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Grand Arbre Inscrit le : 26 Juin 2007 Messages : 219

merci pour ses information

Admin Age : 26 Inscrit le : 17 Aoû 2005 Messages : 519

Super Aby, merci Smile

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Mike - Administrateur

Magnifique Aby, merci pour ces informations.
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Cédric n'est pas un humain, ni un minimoy comme les autres, c'est aussi le meilleur ami d'Arthur.

merci beaucoup pour ces information aby. c'est très interressant.
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GENIAL !!!

J'espere qu'on aura tout ca en image dans les dvd collector !! Notamment le pilote !

je me permet de completer.

Comme Aby l'a écrit plus haut, Buf n'utilise aucun des plus grand logiciel de conception 3D du monde, telle que 3DS max, Ligntwave, Maya ou encore Blender.
Non...buf utilise leur propre logiciel maison qu'ils on crée eux même ce qui améliore considérablement leurs performences. Je pense que parmis vous, beaucoup pense qu'ils doivent utiliser des odinateur très puissant comme des serveurs en raiseau mais en fait, non. Il utilise des processeurs Intel core Xeon et pas plus de 2 Go de Ram. Et oui, même pour eux, il doivent attendre des dixaine d'heures pour un rendu vidéo de quelques secondes.

Pour être graphiste 3D, il faut être très performant et savoir manipuler n'import quel logiciel 3D. il faut également maitriser la 2D. Il existe une école de 3D en france. Elle s'appelle Pôle 3D qui se trouve à Roubaix.
Il faut parfaitement maitriser la 3D. C'est à dire, modeling, texturing, setup, animation, ambiant occlusion etc...

Voila, c'est tout.
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